Margaux Bernard: la nouvelle génération est là et elle est féministe
Margaux Bernard est chargée de communication chez Court-Circuit, la fédération des organisations de concert et festival en Fédération Wallonie-Bruxelles. Le 22 mai dernier, elle nous a fait l’honneur de venir parler de son travail à l’occasion de notre label night au Reflektor, merci encore, toi qui aime tant être sous les spotlights. Margaux nous partage un précieux témoignage sur ses débuts et son parcours dans le milieu de la musique, en plus de sa playlist “bordel” pleine de couleurs, de genres et d’influences différentes. Merci Margaux!
Je me souviens tip top du moment où j’ai décidé de bosser dans ce secteur : j’avais 13 ans et j’ai eu ma révélation devant un concert de Moby avec mes parents (notez la petite anecdote et les sorties familiales de qualitey). A cet instant T, je ne savais évidemment pas ce que je voulais faire exactement, mais il fallait que ce soit en rapport avec la musique et le live.
J’ai fait mon petit bout de chemin, arpenté inlassablement les salles, festivals et soirées dans l’espoir de voir des bons concerts et d’étoffer mon CV, et ce n’est qu’à mes 23 ans que mon parcours dévoilera une toute nouvelle lecture. La collègue qui m’encadrait pour un stage me disait : “En tout cas, il faut absolument que tu continues dans la musique. On est vraiment pas assez de nanas”. Et comme si mes oeillères (ou une personnalité beaucoup trop adaptative) tombaient, je m’exclame : “Bordel, mais t’as raison !”
Que ce soit sur scène ou en coulisses, il est (tristement) facile d’énumérer les obstacles pour chacune : pas de sentiment de légitimité, peu de représentation, devoir encore et encore faire ses preuves, être la nana qu’on peut infantiliser… Le tableau n’est pas beau à voir et la liste n’est pas exhaustive. Heureusement, une petite lumière au bout du tunnel depuis quelque temps, des belles initiatives et projets qui se mettent en place, en prenant également en compte l’intersectionnalité. Le combat n’est pas fini, mais il prend définitivement une dimension nouvelle.
Concernant cette playlist, elle est un clin d’oeil à la Margaux ado, celle d’il y a deux semaines ou 3 ans, à mes proches et mes potes qui me permettent chaque jour de découvrir des pépites à faire résonner dans mes cages à miel. A toutes les meufs qui m’accompagnent au quotidien, toutes celles qui manquent (les choix, c’est dur !) et celles à venir. Bienvenue dans ma tête : il y a du vieux, du récent, des surprises, des choix obvious… Bref, j’espère que vous aimez le bordel.
Margaux Bernard
Artistes dans la playlist
with Little Simz, Cibo Matto, Danitsa, Dehd, Nidia, FLOHIO, Brutus, Ossuary, Camilla Sparksss, Chynna, Siouxsie And The Banshees, Kelly Lee Owens, Khruangbin, Candi Staton, Françoise Hardy, Dua Lipa, Coven, おとぼけビ～バ～ - Otoboke Beaver, Cherry Glazerr, FLOWERS, Patti Smith, Monsterra Caballé, The Blessed Madonna, Becca Mancari, Avalon Emerson, Emma-Jean Thackray, M.I.A., Pat Benatar & Neil Giraldo, Sharon Van Etten, Angel Olsen, Jaimie Branch, Nite Fleit, Oktober Lieber, Eartheater, hania rani, Beth Gibbons, Chelsea Wolfe, Acid King, Cocaine Piss, courtney barnett, Santigold, Blondie, Derya Yildirim, Nina Simone, Alabama Shakes, S O R O R, Beach House, Alexandra Savior, Fleetwood Mac, The Velvet Underground, Kaitlyn Aurelia Smith
Tous les mois, une nouvelle curatrice sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires/dominent. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme et l’invisibilisation des femmes dans la musique.
BACK WITH MRNVDB ON THE DIRECTION OF THE VIDEO FOR ” MORE ” BY IT IT ANITA. THE BAND RELEASED “SAUVÉ” ON APRIL 2, 2021.
I think it started with a message from Damien on Slack saying “You wanna make a video for MORE? It’s due in two weeks.” I obviously replied “Come on!”
The initial pitch was: a simple and effective idea. Very quickly we came up with the idea of breaking things because the song is about excessive consumption and we needed something strong at the climax, as the song is built upwards. Then if possible to have a motorized two-wheeler to make a nod to the “Moto Break” (that’s the codename for that guitar part Mike plays at 01:40). The ideas came in all directions. My Production Manager persona thought “Ok, we don’t have much time, we can’t go on a wild goose chase that will take us more than a day to shoot”. So our different scenes had to be shot in the same area.
By some celestial trick, I think back to the trailer in which my brother and I used to hang out during our teenage years. I hadn’t been back there in ages, so there’s no guarantee it’s still there. I asked my mother to go check because she’s still living in the area and she answered: “Which trailer?” (I had at least the confirmation that our hideout of the time was perfect). No choice then, two days later I made the round trip. The trailer was there, it hadn’t moved an inch and it was even more beautiful than I remembered, because nature had continued to gain ground. At the time it was obvious, we had to shoot there – then my practical side was delighted because we had within reach this trailer but also a field, a grove, a vacant lot and the family house for the lunch break. Now we had to start from there, the location, to build the story with these different elements.
Two buddies in the countryside who are zoning out, getting pissed, breaking things and who, with adrenaline, end up hooking up. Well, all we had to do was to find these two buddies for a rock Sunday in the countryside, in front of our camera. (Oh, yes, and find things to break). In the equation there were still many unknowns: the actors, but also the weather (which everyone knows, in Belgium, in March…), the farmer who owns the land, that we could not reach to get an authorization, and who could show up at any time to put a gunshot in our face, and all those things like a shard of glass in the camera or in the eye that could make this shooting go completely wrong. One could say that luck was on our side. And let me quote Orelsan: If you want to make movies, you just need something that shoots. I was pretty relieved when we said “It’s a wrap” but we weren’t quite there yet.
In the end, between the script and the final result, there is only the bare minimum left. First of all because during the shooting we let ourselves be carried away by the energy of the moment and we were quite confident that we had enough interesting shots even if we left out almost half of the scenes. The same goes for the editing, some filmed sequences were skipped because more than a story that goes from point A to point B, going through this or that stage, it is a general atmosphere and a build-up that we wanted to achieve. But as I said, the core is still there. As it is a co-direction between Damien and me, we wanted to stick together in the editing (in the same way that we passed the camera to each other on the shooting). It is, I think, an unorthodox way to do things in this business, especially on such a short video, but I think we managed to bring out the best of each other. We were each responsible for a part of the video and the other one came to make adjustments, suggest ideas, etc. As he obviously has a different knowledge of the song than I do, his contribution on the rhythm of the editing was also considerable. And then he dealt with my moments of doubt and stress, and that too was considerable.
Once we agreed on the final cut (and after pulling my hair out on a rough color grading because it’s clearly not my job), I was happy but not entirely satisfied and couldn’t figure out why. We prepared the upload as it was, anyway at some point we had to let go, accept that on a piece of work, whatever it is, we always have the impression that it is not finished, and that we could probably do better, and anyway, the deadline approaches, etc. Until I woke up at 5am a few days before the release with an idea… Everything has to be cropped to a 4:3 aspect ratio (that’s the aspect ratio I’ve always preferred to shoot with a little Hi8 I’ve been lent for a long time). It makes more sense with the way we want to tell this story – in fact, it’s striking because when we cropped the image, nothing interesting was happening on the edges – and that was how we filmed (unconsciously). So it was clear, we tighten everything up and we finally find ourselves at the right distance from our characters. We are with them. Damien follows me on this one. It is good, this time, we let go.
Myriam Eddaïra a commencé à travailler en tant qu’assistante puis ingénieure du son dans les studios parisiens en 1995. Sa carrière a d’abord été marquée par des collaborations avec de gros projets artistiques, mais lorsqu’elle a lancé son studio d’Ikken en 2000, elle a fait le choix d’accompagner uniquement des artistes émergent·e·s. Elle enregistre, conseille et accompagne, elle est aussi formatrice, notamment pour la prestigieuse formation d’Issoudun. Cette année, elle a lancé sa chaîne Twitch où elle partage ses connaissances approfondies sur le monde de la musique. Merci Myriam, nous sommes très fier·e·s de te compter parmi nos ami·e·s!
Commencer à travailler dans la musique à la fin du XXe siècle, c’est un rêve de liberté : enregistrer des disques, vivre en écoutant de la musique jour après jour, essayer de mettre un morceau d’âme dans chaque séance.
Travailler dans la musique en tant que femme, c’est le plus souvent être contrainte aux tâches administratives en dehors des carrières de musiciennes fortement genrées (chanteuse, pianiste, flûtiste, violoniste ou harpiste) Mais pas ou si peu ingénieure du son, guitariste, batteuse, bassiste, réalisatrice.
Travailler dans la musique en tant que femme, c’est devoir quotidiennement faire la preuve de ses compétences, inlassablement, jusqu’à l’absurde.
Travailler dans la musique en tant que femme, c’est être régulièrement infantilisée, perçue comme une ravissante idiote, voire un objet de sexualisation plutôt qu’une collègue exerçant à armes égales.
Travailler dans la musique en tant que femme, c’est devoir se construire une armure et des convictions profondément ancrées pour faire face aux injustices.
Travailler dans la musique en tant que femme, ce n’est pas rose tous les jours, mais c’est avant tout la satisfaction de ne pas laisser passer l’occasion d’enchanter le quotidien.
Travailler dans la musique entant que femme, au XXIe siècle, c’est le rêve de liberté exaucé et continuer de poursuivre d’autres rêves, plus haut, plus fort.
Tous les mois, une nouvelle curatrice sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires/dominent. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme et l’invisibilisation des femmes dans la musique.
Retour avec mrnvdb sur la conception et la réalisation du clip de “MORE” pour It It AnitA. le groupe a sorti “sauvé” le 2 avril.
Je crois que c’est parti d’un message de Damien sur le Slack du style “T’es chaude on fait un clip pour MORE. C’est pour dans deux semaines.” J’ai évidemment répondu “Allez!”
Le pitch de départ c’était : une idée simple et efficace. On a très vite voulu péter des trucs parce que ça parle de surconsommation et il fallait quelque chose de fort au climax comme le morceau est construit en montée. Puis si possible avoir un deux roues motorisé pour faire un clin d’œil au break moto que Mike joue à la guitare à 01:40. Les idées ont fusé dans tous les sens. Mon persona de prod a pensé “Ok, on a peu de temps, on peut pas partir dans des délires qui nous demandent plus d’un jour de tournage”. Il fallait donc que nos différentes scènes puissent se tourner dans un même périmètre.
Par je ne sais quelle manigance céleste, je repense à cette roulotte dans laquelle on traînait avec mon frère pendant nos années de glande adolescente. Ca faisait des lustres que j’y étais pas retournée donc aucune garantie qu’elle s’y trouve toujours. Je demande alors à ma mère de vérifier car elle habite encore dans le coin et là elle me répond “quelle roulotte?” (J’avais au moins la confirmation que notre planque de l’époque était parfaite). Pas le choix donc, deux jours après je fais l’aller-retour. La roulotte était bien là, elle n’avait pas bougé d’un centimètre mais elle était encore plus belle que dans mon souvenir car la nature avait continué de gagner du terrain. Sur le moment c’était une évidence, il fallait qu’on tourne là – puis mon côté pratico-pratique était ravi car on avait à portée de main cette roulotte mais aussi un champ, un bosquet, un terrain vague et la maison familiale pour la pause lunch. Il fallait maintenant partir du lieu pour construire l’histoire avec ces différents éléments.
Deux potes en campagne qui zonent, se font chier, cassent des trucs et qui avec l’adrénaline finissent par se pécho. Bon bah on avait plus qu’à trouver ces deux potes partant pour un dimanche champêtre et rock devant notre caméra. (ah oui et trouver des trucs à casser). Dans l’équation il restait encore beaucoup d’inconnues : les acteurs, mais aussi la météo (qui chacun sait, en Belgique, en mars…), le fermier à qui appartient le terrain qu’on n’a jamais pu joindre pour avoir une autorisation qui pouvait débarquer à tout moment pour nous mettre un coup de chevrotine et toutes ces choses comme un éclat de verre dans la caméra ou dans l’oeil qui pouvaient faire que ce tournage parte complètement en couille. On peut dire que la chance a été de notre côté. Et je me permets de quoter Orelsan : Si tu veux faire des films, t’as juste besoin d’un truc qui filme. J’ai été assez soulagée quand on a dit “It’s a wrap” mais on n’était pas encore au bout du chemin.
Finalement entre le scénario et le résultat final il ne reste plus que le stricte minimum. Déjà parce que sur le tournage on s’est laissé porté par l’énergie du moment et on était assez confiant·e·s d’avoir suffisamment de plans intéressants même si on a laissé tomber près de la moitié des scènes. Idem au montage, certaines séquences filmées ont sauté parce que plus qu’une histoire qui va d’un point à un autre en passant par telle ou telle étape, c’est une ambiance générale et une montée qu’on a voulu construire. Mais comme je le disais, l’essentiel est toujours là. Comme il s’agit d’une coréalisation entre Damien et moi, on a voulu se coller tous les deux au montage (au même titre qu’on se passait la caméra sur le tournage). C’est, je crois, une chose peu orthodoxe à faire dans la discipline, surtout sur une vidéo si courte, mais je pense qu’on a réussi à y insuffler le meilleur de chacun·e. On s’est chacun·e chargé·e d’une partie et l’autre venait y faire des ajustements, proposer des idées, etc. Comme forcément, il a une autre connaissance que moi du morceau, son apport sur la rythmique du montage a aussi été considérable. Et puis il a dealé avec mes phases de doutes et de stresse et ça aussi, c’est considérable.
Une fois accordé·e·s sur le montage final (et m’être arraché les cheveux sur un étalonnage approximatif car c’est clairement pas mon métier), j’étais contente mais pas entièrement satisfaite et impossible de trouver pourquoi. On prépare l’upload avec la vidéo telle quelle, de toute façon à un moment il faut lâcher l’affaire, accepter que sur une réalisation quelle qu’elle soit on a toujours l’impression que c’est pas fini et qu’on pourrait sans doute faire mieux et de toute façon la deadline approche. Jusqu’à me réveiller à 5h du mat à quelques jours de la sortie… Il faut tout passer au format 4:3 (c’est le format d’image que j’ai toujours préféré faire avec une petite Hi8 qu’on m’a longtemps prêté). Ca a plus de sens avec la façon dont on veut raconter cette histoire – d’ailleurs c’est frappant au moment de recadrer les images que c’est comme ça qu’on avait filmé (inconsciemment) et que rien d’intéressant ne se passait sur les bords. Alors ça dégage, on resserre tout et on se retrouve enfin à la bonne distance de nos personnages. On est avec eux. Damien est du même avis. C’est bon, cette fois, on lâche l’affaire.
Souria est rédactrice en chef chez VICE Belgium et créatrice de la plateforme Psst Mlle, qui organise des workshops et des événements pour promouvoir et accompagner les artistes se définissant comme féminines. Elle se bat aussi pour une meilleure représentation (représentation tout court?) des personnes racisées dans le monde de la musique. Le travail de Souria est tellement important et inspirant que je n’ai pas envie de prendre trop de place avec mes mots, je préfère vous conseiller de lire les siens en écoutant son excellente sélection.
Psst Mlle est un projet qui réunit quelques-uns de mes plus grands amours : la fête, les rencontres et échanges, le féminisme et la musique. Je parle d’amour, mais je pense que comme beaucoup de femmes, si je me suis tournée vers le féminisme, c’était par nécessité et non par intérêt ou curiosité. Parce que j’avais besoin de comprendre les inégalités, injustices et violences dont j’ai été témoin ou « victime » – je hais ce mot, mais soit.
Le patriarcat contamine absolument tous les aspects de nos vies et rares sont les journées qui s’écoulent sans qu’une parole, un geste ou une vision ne me le rappelle. L’industrie musicale est loin d’être une exception, bien au contraire. Je ne vais pas commencer à déballer des stat’ que vous ne retiendrez pas. Je préfère les mots aux chiffres. Donc je profite de cet espace pour m’adresser à toutes les personnes, et plus particulièrement aux hommes, qui composent cette industrie : vos lineups sont trop masculins, blancs et hétéros ; vos équipes sont trop masculines, blanches et hétéros ; idem pour vos espaces, votre public et vos mentalités. Si vous êtes conscients du problème mais ne faites rien pour le contrer de manière active, vous faites partie du problème.
Souria Cheurfi
ARTISTES dans la playlist
with Zoë McPherson, Afia, Laryssa Kim, FKA twigs, Tirzah, Dua Saleh, Ivy Sole, Sudan Archives, Snoh Aalegra, Yseult, Iliona, Bonnie Banane, REINEL BAKOLE, Greentea Peng, Ana Diaz, Martha Da’ro, Lala &ce, Beatrice Dillon, Aya Metwalli, Meryem Aboulouafa, Fatima Al Qadiri, Deena Abdelwahed, Sara Dziri, Maoupa Mazzocchetti, MC Yallah, MONOMONO, Fleur, Naomie Klaus, Céline Gillain, Hanah, Azo
Tous les mois, une nouvelle curatrice sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires/dominent. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme et l’invisibilisation des femmes dans la musique.
Dix années de critique musicale et, pour reprendre les mots de Gwen, “environ 25 ans à rôder dans les salles bruxelloises et les festivals en Belgique et à l’étranger.” Une sélection qui vous bottera assurément le cul en ce début d’année laborieux et aussi un texte à lire absolument juste ici. Vive les enculé.e.s !
Cela m’a pris pas mal de temps avant de comprendre que quelque chose n’allait pas et que ma propre résignation ne risquait pas de faire évoluer les choses.
À mes débuts, les initiales qui bouclaient mes textes occultaient mon genre et, dans une certaine mesure, faisaient office de protection. Il m’est donc déjà arrivé d’être traitée « d’enculé » sans qu’il ne soit venu à l’esprit de mon interlocuteur qu’il s’adressait en réalité à une « enculée ».
Lorsque j’ai frappé à la porte de Goûte Mes Disques il y a une bonne dizaine d’années, je ne me suis même pas donné la peine de compter le nombre de collaboratrices dans l’équipe. Cela me paraissait normal que le terrain soit en grande majorité occupé par des hommes et j’acceptais cet état de fait, surtout s’agissant d’aborder des genres musicaux chargés en testostérone.
C’était d’ailleurs normal de compter sur ses dix doigts le nombre de filles présentes à un concert plus bruyant que la moyenne. C’était normal de se coller le long des murs dès que le mosh pit commençait à rouler des pectoraux. C’était normal d’opiner en silence pendant qu’un expert en carton se répandait sur l’œuvre d’un groupe déjà bien connu. Pourquoi l’interrompre alors que l’affaire n’avait jamais été envisagée comme un dialogue ? Et puis c’était normal de s’éloigner pour fuir la main anonyme qui venait d’agripper ton cul dans la foule, cette main sans remords qui t’a contrainte à abandonner la seule place où tu apercevais enfin un bout de scène.
On a tendance (et à raison) à d’abord rendre hommage aux premières de cordée, celles qui ont défriché le terrain à coups de machette en épongeant au mieux, les roulements d’yeux, au pire, les insultes. Aujourd’hui, j’ai envie de saluer toutes ces jeunes femmes que je croise de plus en plus souvent dans les salles. Elles ont dix, quinze, vingt ans de moins que moi et n’hésitent pas une seconde à jouer des coudes, au propre comme au figuré. Elles ne s’excusent de rien, s’infiltrent dans les brèches et m’obligent à les rejoindre au milieu de la fosse, quitte à considérer un remplacement de hanche. Je suis impatiente que les mêmes convertissent leur enthousiasme sur papier, qu’elles aient pleinement confiance en la justesse de leurs opinions et partagent sans filtre les pépites qui viendront enrichir nos playlists. Elles me donnent toutes les raisons d’être optimiste.
Luik Stories me fait l’honneur d’ouvrir cette année nouvelle (et d’enterrer la précédente) avec une quarantaine de titres qui tente tant bien que mal de réconcilier les vieilles marmites et la cueillette du jour, le punk à maman, le folk de feu de bois et la techno qui éprouve les cervicales. Je n’ai pas trop l’habitude faire le tri. Le seul point commun entre toutes ces artistes, c’est qu’elles m’accompagnent au quotidien, depuis des années ou depuis quelques heures. Et il en manque tellement…
(J’en profite aussi pour glisser un remerciement à tous les amis/membres du « Royal Penis Club » de Goûte Mes Disques qui ne se sont jamais dérobés à aucune discussion, aussi abrupte soit-elle. Et puis, bien sûr, à Camille N. qui nous a enfin permis d’écrire « rédactrices » au pluriel depuis moins d’un an.)
Tous les mois, une nouvelle curatrice nous sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme.
La 75, c’est un collectif artistique parisien puissant et volontairement très discret. Sur leur label, des noms comme Sheldon, Népal, Di-meh, Sopico, Georgio… la plupart de la nouvelle scène rap y est passée de près ou de loin. Yveline Ruaud dirige ce label et nous fait l’honneur d’être notre Fille de Choix du mois de décembre. Une playlist qui s’enchaîne parfaitement avec celle sélectionnée par Lola Levent le mois passé… et toujours la force et la puissance des femmes.
Les playlists, j’ai grandis avec. Adolescente, je passais des heures à copier des morceaux sur des cassettes que mes amies et moi faisions circuler jusqu’à ce que les titres écris au stylo bille en deviennent illisibles. J’adorais en faire, j’adorais en recevoir et, sans que cela soit un choix conscient, les femmes y ont toujours été très présentes. Avant même de pouvoir mettre des mots sur ce sentiment, leur présence était à la fois naturelle et essentielle. Leurs paroles me portaient et me confortaient à chaque instant de ma vie. Alors pour cette playlist, la plus grande difficulté a été de choisir parmi elles. Des femmes dans la musique, il y en a depuis toujours. Elles sont de plus en plus présentes et de plus en plus visibles, mais font toujours face à des représentations sexistes qui veulent contraindre leur forme d’expression et leur liberté de création. Dans cette playlist j’ai donc naturellement choisis des formes très différentes qui portent chacune une vision, un propos, un cri.
Tous les mois, une nouvelle curatrice nous sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme.
Pour ce mois de novembre, on vous propose du très lourd et un gros CV difficile à résumer en quelques lignes. Lola Levent est poétesse, écrivaine, manageuse… et derrière un incontournable et précieux compte instagram: d.i.v.a.infos. Diva est un réservoir de ressources et d’informations sur le sexisme dans le monde de la musique. Lola fait aussi partie de change de disque, qui lutte pour l’adoption de mesures législatives concrètes contre les discriminations et violences sexistes (on vous encourage à lire le manifeste). Aussi, son compte instagram beauxraps analyse les liens entre l’art contemporain et le rap et c’est incroyablement intéressant.
Le féminisme, cela s’écoute, cela se lit, cela s’apprend. Ce sont des chiffres, des études, des analyses, des personnes qui ont creusé le sujet et qui nous informent avec justesse. Merci Lola, on t’écoute.
J’ai imaginé une playlist pour faire découvrir les artistes francophones qui font la musique d’aujourd’hui : les femmes-pluie, les femmes-clowns, les femmes-soie, les femmes-machines, les femmes-piano, les femmes-avions, les femmes-slime… — sans elles le jeu n’en vaut pas la chandelle.
Tous les mois, une nouvelle curatrice nous sélectionne une playlist où les artistes féminines sont majoritaires. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme.
Prenez une plume infatiguable, une curiosité sans bornes, un travail acharné, vous obtiendrez l’un des esprits les plus vifs de notre petit pays. Journaliste musicale d’abord, Elisabeth Debourse est aujourd’hui devenue l’incontournable si l’on veut parler société, manger et aussi féminisme. Du podcast Salade Tout (saison #1 co-réalisée avec Axelle Minne) à sa newsletter hebdomadaire Mordant, il y a encore bien plus que ces deux excellentes raisons de suivre son travail.
Luik est très fier de vous transmettre sa playlist 100% féminine et le texte qui l’accompagne:
Elles s’appellent Taiwo et Kehinde Lijadu, les Lijadu Sisters. Le duo funk opère entre les années 60 et 80 à l’avant de la scène nigériane, à quelques encablures génétiques et musicale de Fela Kuti, leur cousin éloigné. Elles sont un écho d’Idaban, la troisième plus grande ville du pays, leur timbre de jumelles se superposant à la perfection. En novembre dernier, Kehinde est décédée d’un cancer, rompant le lien de vie, mais aussi politique qui les unissait. « La musique nous a appris à tendre la main et à tenter de changer les choses, socialement, moralement, financièrement, spirituellement et politiquement. Nous chantions ces morceaux parce qu’ils [les politiques] n’écoutaient pas. Nous avions besoin d’écoles, nous avions besoin de routes, nous avions besoin d’eau potable », évoquaient-elles en 2014 à Harlem au micro de la journaliste et DJ Kate Hutchinson. Pour faire entendre leur voix et celles de leur pays, il leur a fallu prendre une place qu’on n’attendait pas d’elles, dans un milieu qui ne voulait pas d’elle. Malgré l’héritage et le cran que Taiwo et Kehinde Lijadu ont laissé dans les mémoires, le rappeur Nas n’a pas jugé utile de les créditer quand il a samplé « Life’s Gone Down Low » en 2006.
Elles s’appellent Afshana Khan et Razia Sultan, et ce sont leur voix qui me prennent en otage chaque fois que j’écoute « Chala Vahi Des », le deuxième morceau de cette playlist — pas la guitare de Jonny Greenwood, tapie quelque part derrière les percussions et les vagues de l’harmonium. Il faut pourtant creuser la surface des crédits de l’album Junun pour trouver leur nom, quand celui du membre de Radiohead figure partout. Leur invisibilisation pourrait être rapidement balayée par des arguments de notoriété, d’investissement ou de paternité du projet, mais même avec ceux-ci, l’anecdote est un rappel crispant de la réalité musicale dans laquelle nous vivons : bien sûr que les femmes (f/x) sont là, bien sûr qu’elles chantent, qu’elles jouent. Mais pour faire la lumière sur elles et leurs talents, il faut écarter les hommes comme on le ferait dans une foule aux centaines de visages énormes et semblables.
Elle s’appelle Nubya Garcia et a le menton haut, quand elle traverse Londres ou joue de son saxophone. Un instrument avec lequel elle fait corps, elle fait bouche, quand quelques décennies plus tôt sa pratique aurait été jugée vulgaire pour une femme, trop connotée, sale, alors qu’elle en aurait sorti les mêmes longues et puissante litanies. Nubya Garcia joue libre, mieux, elle leade des batteurs, des pianistes, des trompettistes, collabore avec Moses Boyd, Theon Cross et Shabaka Hutchings d’égale à égal. Iel s’appelle Kae Tempest, a sorti trois albums, cinq recueils de poésie, trois pièces de théâtre et un roman. Elle s’appelle Colleen, Cécile Schott de son vrai nom, était professeure jusqu’en 2006 et compose aujourd’hui des boucles superbes à base de viole de gambe, épinette, clarinette, wind chimes, calimba, piano à pouce, accordéon ou encore harmonicon. Elle s’appelle Arlo Parks, une poétesse chantant si justement sa « super sad generation » qu’elle a ravi le cœur des critiques musicaux·les de la BBC dans le classement Sound of 2020, à seulement 20 ans. Elles s’appellent Mélissa Laveaux, Fatima, Charlotte Adigéry, Scarlett O’Hanna, Anika, Yazz Ahmed, Lianne La Havas et sont les artistes qui portent ma colère et mon espoir, celui qu’on ne dérobe plus aux musicien·nes femmes, trans, non-binaires, racisé·es leur chance de créer, de performer et d’être reconnu·e·s.
Tous les mois, une nouvelle curatrice nous concocte une playlist où les artistes féminines sont majoritaires. Pour qu’elles existent, pour qu’on les découvre, pour se battre contre le sexisme.
An exclusive mix for The Word Radio by Maureen (@mrnvdb)
Lance le mix pendant que tu lis:
Si tu veux savoir, y’a une private joke où depuis une paire d’années je dis « ouais j’sors bientôt ma première mixtape NAAR SUYU »… Hé comme quoi, tout finit par arriver.
Le nom de la mixtape signifie « Jus de Grenade » (nar suyu) mais avec 2 A, en hommage au projet NAAR que je trouve incroyable, je t’en parle plus après, car l’envie en substance est la même à mon tout petit niveau : créer des ponts.
Je vais essayer de ne pas t’écrire un bouquin, parce que je ne suis pas spécialiste, mais par contre, bah c’est comme quand la musique démarre, je suis vite emportée. C’est impossible de t’expliquer pourquoi ça me touche tant et que ça me met en transe dès les premières notes. Les tonalités peut-être, les instruments (gros cœur sur le oud !) … Et puis la langue. D’ailleurs j’ai commencé à apprendre l’arabe pour comprendre un peu ce que ça raconte et limiter tant que possible le yaourt quand je chante avec, même s’il n’y a que mon chat pour l’entendre.
J’ai l’impression qu’il y’a 10-15 ans, si tu n’avais pas un réel intérêt pour la musique arabe, ce qui arrivait à tes oreilles ce n’était pas forcement les meilleurs crus du raï et puis quelques classiques comme Fairuz ou un peu plus récemment Rachid Taha, certains morceaux de Dalida aussi. Mais c’est tellement plus vaste ! Surtout ce qui se fait en ce moment, c’est une folie. Peut-être que ça s’explique du fait que n’obtient pas qui veut un visa pour passer les frontières de Schengen et venir jouer en Europe (même si j’ai pu assister à de très beaux concerts).
D’ailleurs c’est probablement par les voyages que ça a commencé à me rentrer dans l’oreille. J’ai passé pas mal de temps au Caire, dans la région d’Agadir et à Tunis surtout. Je vivais chez des potes qui viennent de là et y habitent toujours pour la plupart. On sortait dans les clubs et les cafés-concerts, puis surtout on s’est tapé des heures et des heures de bagnole. Ici quand tu décides d’aller à la mer, c’est une expédition, tu prévois ça des jours à l’avance alors que c’est pas si loin. En Tunisie on se lève le matin, on se dit qu’on irait bien se baigner et on roule trois heures pour arriver à la plage, y rester une bonne heure puis on refait le chemin dans l’autre sens. Bref, ça laisse tout le temps du monde pour se faire écouter de la musique.
Y’a eu des films aussi comme « Only Lovers Left Alive » de Jim Jarmusch qui a une bande son incroyable. On y voit d’ailleurs Yasmine Hamdan donner un concert où elle chante le titre Hal [track 9]. Même si je peux avoir une recherche plus active, je pense que ça s’est beaucoup passé au petit bonheur la chance. Comme lors de mes pérégrinations sur Soundcloud… en réécoutant le projet Love & Revenge [track 16] de Rayess Bek et La Mirza – lui remix des classiques de la musique arabe pendant qu’elle fait du VJing avec des extraits de films issus de l’âge d’Or du cinéma Egyptien, une folie ! – après être allée les voir en live sur les bons conseils d’un ami, je passe le reco en reco et c’est comme ça que je suis tombée sur Hello Psychaleppo [track 7]. Boom, explosion de cerveau. Bref à un moment les différents algorithmes font leur taf.
Mais c’est aussi le cas IRL, quand je vais chez Balades Sonores, ils ont un bac qui s’appelle « de Tanger à Beyrouth », souvent je me laisse guider par le design de la pochette et puis j’ai de belles surprises comme avec Alif [track 22] et l’album « Aynama-Rtama ». Et bien sûr, il y a des artistes comme Acid Arab [track21] qui ont clairement joué un rôle, ou bien même ici à Bruxelles, Gan Gah qui fait des trucs de fou. Je me souviens avoir saigné un mix qu’il avait fait il y’a 4 ans pour LowUp Radio.
Et un jour je tombe sur le morceau Money Call [track 20] qui annonce le projet NAAR… Le son me met une grosse claque et à la réal du formidable clip qui l’accompagne, on retrouve le nom de Ilyes Griyeb. Il avait co-signé un an plutôt un article qui avait retenu mon attention, intitulé « Et si on laissait enfin les artistes arabes raconter eux-mêmes leur(s) histoire(s) ? » dans lequel il dénonce le plagiat et l’utilisation par des artistes occidentaux de tous bords de l’esthétique arabe sans jamais promouvoir les talents créatifs de ces pays. Cette tribune a donné naissance à une idée, qui est devenue un collectif puis une plateforme pour enfin aboutir sur l’un des albums que j’ai dû le plus écouter en 2019 : Safar (voyage en français). Un projet ultra ambitieux qui regroupe 11 artistes marocains et 19 artistes européens et nord-américains tout en gardant sa cohérence du premier au seizième titre. Une matérialisation concentrée du talent et du savoir-faire de la scène maghrébine pour enfin partir à la conquête du monde entier. (Making of l’album)
Je me suis un peu étendue sur le sujet mais ça en vaut vraiment la peine. Franchement c’est propre ! La trap est internationale, le darija (dialecte marocain) est local et ça tabasse. Pour voir à quel point les gars sont prêts – sans déconner, ça fait des années qu’ils cherchent les meilleures façons de faire sonner les mots, à taffer leur flow, la technique… – et à quel point ils en veulent, je vous conseille le docu Wa Drari qui retrace le parcours de Shayfeen (duo très actif dans le collectif NAAR)
Je vais clôturer sur deux autres reco de docu en lien avec la musique arabe :
Pendant le confinement j’ai enfin regardé El Gusto de Safinez Bousbia. Ça parle de la musique chaâbi, une musique populaire inventée au milieu des années 20 au cœur de la Casbah d’Alger et qui « fait oublier la misère, la faim, la soif » tout en rassemblant juifs et musulmans pendant des années au sein du même orchestre jusqu’à la guerre et ses bouleversements. Je spoile pas plus mais ça m’a mis la larme.
D’Alger on part pour Le Caire et on passe du Chaâbi à l’électro Chaâbi avec le docu du même nom réalisé par Hind Meddeb. Victime de la corruption et de la ségrégation sociale, la jeunesse des quartiers populaires exorcise en faisant la fête. L’idée : fusionner les sons et les styles de manière chaotique. Un seul mot d’ordre : foutre le bordel ! Donc forcément, j’aime bien.
Bon je vais m’arrêter ici mais comme je disais au début, je suis loin de tout connaître et on n’a jamais fini d’en faire le tour alors si vous avez des suggestions, faites pleuvoir dans les DM. Bonne écoute.
Ah oui et voilà la tracklist:
Rim Banna – my songs will sound from the squares (ft. Checkpoint 303 & Bugge Wesseltoft)
